Por Kathryn Boland para la revista Dance Informa
Auditorio Veterans Memorial, Providence, RI.
18 de noviembre de 2023.
Kathleen Pletcher, Directora Artística Ejecutiva de FirstWorks RI, presentó la obra que estaba a punto de subir al escenario: Roma y joyas (2000), de Rennie Harris. Explicó que es una adaptación de verdaderos clásicos: Romeo y Julieta de Shakespeare y su iteración más moderna West Side Story. Los temas y las verdades de la obra siguen siendo increíblemente relevantes e impactantes, afirmó.
Subrayando ese impacto en el aquí y ahora, también señaló cómo los artistas habían pasado el día anterior en las escuelas locales, educando a la próxima generación en algunos aspectos básicos de la forma y el proceso, los que ayudaron a dar vida a la obra inminente. El público, aplaudiendo con entusiasmo, pareció comprender la importancia de ese impacto.
Algunos podrían afirmar que los clásicos deben preservarse como algo sagrado. Otros podrían abogar por el tipo de iteración y actualización que les permite seguir hablando con claridad en la actualidad. Roma y joyas demuestra lo que esta última perspectiva puede alimentar: una obra que se atreve a emplear los atrevidos estilos de géneros artísticos inesperados, a decir verdades intemporales en lenguajes que el público moderno ya habla.
Lo primero que vimos los espectadores fue el horizonte de una ciudad (diseño visual original de Howard Goldcranz, diseño visual de Ryder Palmere), los ángulos agudos de los rascacielos yuxtaponiéndose a los suaves degradados de una puesta de sol en acuarela. Pronto conocimos a algunos personajes intrigantes, cuyas ingeniosas ocurrencias empezaron a forjar el carácter, la narrativa y el sentido de lo que está en juego. No cabe duda de que puede haber personajes pintorescos en el “barrio”, esas ocurrencias importantes para mantener la “credibilidad” y expresar la “carne de vaca”. Estos artistas parecen conocer profundamente el mundo de la calle, y nos invitan a entrar en él con esta obra.
Hablando de ese diálogo, la naturaleza multimodal de esta obra me llamó la atención muy pronto; diálogo, movimiento y música se unieron para construir el mundo en el que esta historia creció y vivió. Sentí que me unía al hip hop en sí mismo, con sus elementos separados e igualmente fundamentales (danza, rap/emceeing, deejaying y graffiti). Evocadores rojos y sombras en el escenario (diseño de iluminación original de Pamela Hobson, diseño de iluminación de Julie Ballard y Elyjah Kleinsmith), y paletas de colores separadas para las “cuadrillas” enfrentadas (equivalentes “callejeros” de los Montesco y los Capuleto) estructuraron visualmente ese mundo.
El discurso rítmico y entrecortado, por su parte, me enganchó tanto como el hip hop bien elaborado. También me he reído un poco, muy entretenida, al oír soliloquios de Shakespeare -sacados de las páginas de Romeo y Julieta- hablados en este lenguaje hip hop. En lugar de rebajar esas palabras sagradas, me introdujo en ellas de una manera fresca y vibrante. El diálogo va y viene entre el habla moderna y la clásica. Esa mezcla era de alguna manera cohesiva y agradable en lugar de discordante.
La música, desde el hip hop hasta el rock clásico, pasando por el rock más moderno, era igual de vibrantemente ecléctica (diseño de sonido y dirección musical de Darrin Ross). El movimiento reflejó el amplio espectro estilístico de la “danza hip hop”: de lento y continuo a acentuado y relampagueante; de sorprendentemente fuerte y atlético a resaltar los matices más sublimes del gesto y la articulación; construido por la comunidad del cypher (un círculo de bailarines) o el espíritu cinético de un solo movedor.
Los artistas eran capaces de realizar gimnásticas proezas de breakdance con la misma soltura que de moverse con un vocabulario pop/lock más elevado. Destacaban en todas las partes de ese espectro de movimientos. Esa excelencia no tenía por qué generar algo excesivamente esotérico, erudito o abstruso hasta el punto de resultar inaccesible. Todo estaba impregnado de un espíritu de creatividad lúdica y espontánea, el mismo que impregna la cultura hip hop en general.
También me di cuenta, bastante al principio de la obra, de cómo Harris optó por no representar físicamente a las “Joyas”: Julieta en el cuento de Shakespeare y María en su interpretación de 1950. Más bien, era una presencia fuera del escenario. Reflexioné sobre las intenciones de Harris tras esa elección (de hecho, elecciones tan obvias tienen una intención detrás, para todos y cada uno de los artistas); quizá, en la visión de Harris, Jewels es más un ideal de amor dulce y suave, lleno de calidez y belleza.
Más adelante en la obra, la proyección de una rosa llena el telón de fondo, abriendo y cerrando sus pétalos curvilíneos. Esta imagen era quizá una representación visual de esa fuerza del amor, esa idea de suavidad y cariño, en este mundo de la calle. De este modo, Harris infundió una sensibilidad posmoderna, de misterio, representación abstracta e interpretación a ojo del espectador.
Al mismo tiempo, la obra seguía basándose en algo muy real, en la fuerza creativa del momento por encima de cualquier cosa que se encuentre en un libro de texto. Además, los artistas metieron al público de lleno en ese momento creativo. El humo del hielo seco hizo que todos nuestros sentidos participaran en la cruda sensación de la historia. Los DJ, que manipulaban los discos no sólo con las manos, sino también con los dientes (¡guau!), nos invitaban a aplaudir y gritar. No nos quedó más remedio que seguir el ritmo con ellos.
Lamentablemente, esa fuerza creativa no pudo frenar la tragedia nacida de la violencia. El asesinato de Merc, amigo íntimo de Roma (reflejo del Mercutio de Shakespeare), desencadena una cadena de acontecimientos que conducen a la muerte tanto de Roma como de Jewels. La narración de Harris recortó muchos de los puntos argumentales del clásico de Shakespeare para llegar eficazmente al meollo de la historia. Uno podría señalar las palabras finales de un personaje sabio y mayor para ese corazón narrativo: la violencia sólo engendra más violencia, y en ese ambiente ninguno de nosotros queda indemne.
Con los conflictos mundiales actuales, que tienen sus raíces en animosidades tribales mucho más antiguas, pensé en las palabras iniciales de Pletcher: qué oportuna sigue siendo esta historia intemporal. Lo es aún más por el coraje y la creatividad intencionada de artistas como Rennie Harris y sus colaboradores, que desembocan en la ferocidad sensible de sus Roma y Joyas.
Pueden servir de ejemplo a otros creativos que quizá se sientan impulsados por los clásicos, pero cautelosos a la hora de quitarse el guardapolvo protector y lanzar las “reglas” al viento. Estas historias no tienen por qué ser tan preciosas. En cambio, si los relatos se hacen con amorosa intencionalidad y conciencia del mundo tal como es actualmente, tienen mucho, mucho más que dar.
